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路易威登基金會（Fondation Louis Vuitton）近期在巴黎舉行新展“色彩賦格曲”(FUDGES IN COLOR)。

展覽匯集五位不同背景、不同年代的知名藝術家作品，包括Sam Gilliam、Katharina Grosse、Steven Parrino、Megan Rooney以及Niele Toroni。

他們運用抽象藝術表現形式，勇于突破傳統繪畫媒介，打破畫布的區域限制，在色彩與畫布關系中探尋全新自由，向外延伸至地板、墻壁和天花板。此處云集的繪畫佳作展現出色彩的延伸變化，與建筑大師Frank Gehry設計的路易威登基金會展開親密對話。

Sam Gilliam、Steven Parrino以及 Niele Toroni的作品承蒙私人收藏與公共機構提供，Katharina Grosse與 Megan Rooney分別為此次展覽創作了全新作品。

展覽信息

展覽時間：2022年5月4日至8月29日展覽地點：巴黎兒童樂園（Jardin d’Acclimatation）內路易威登基金會主策展人：Suzanne Pagé，路易威登基金會藝術總監策展人：Ludovic Delalande、Nathalie Ogé、Claire Staebler以及 Claudia Buizza

8號畫廊– MEGAN ROONEY

Megan Rooney是一名多學科藝術家，她將繪畫、雕塑、表演和寫作等表現形式融為一體。于她而言，繪畫本身是一項全身心投入的行為，她的心血悉數凝聚于巨幅畫布中。正如此次專為8號畫廊創作的瞬時壁畫作品《With Sun》，占據整面墻大小。

Megan Rooney,《With Sun》(細節), 2022年

Rooney收集各種工具，搭建高架平臺，開始為期數周的創作。她延續一貫做法，無需任何草圖，令畫作與建筑本身展開親密對話。隨著時間推移，顏料層層堆疊，待砂輪切開顏料圖層，顯露出暗示擬人化元素的抽象構圖。在這副畫作中，Rooney深入探索顏色密度，她選取明亮細膩的多彩色調，以閃亮色調為主色調，并輔以橙色、紫紅色、黃色、綠色和粉色調的顏色變幻，還運用了柔和色調。Rooney的創作靈感源自畫廊特殊的露天設計，因此她的畫作與周遭自然環境交相輝映，在春日光影漸變中婆娑伸展。周圍自然環境正是她藝術創作的常用催化劑。

9號畫廊– SAM GILLIAM和STEVEN PARRINO

Sam Gilliam是戰后美國繪畫領域的重要代表人物。他的畫作歸于“華盛頓色彩畫派”，這一畫派興起于20世紀50年代的紐約，是“色域繪畫”的分支。

1968年，他創作《懸掛物》系列作品，在此系列中，他定義全新繪畫語言，深入探索畫布表面可能性和色域延伸。此處展示的三幅雋永作品淋漓盡致地體現了這一系列作品特點，既標志著徹底放棄畫架，又標志著新型繪畫形式的誕生，該繪畫形式隨展覽空間建筑風格的不同而相應改變。Sam Gilliam在工作室里，時常將畫布直接鋪在地板上作畫，他把大量稀釋的丙烯顏料徑直倒在畫布上，用刷子和布塊輕拍、擦拭或按壓畫布。顏料沿著畫布兩面的褶皺匯聚成河，凹陷處與彎曲處在那一瞬間誕生隨機圖案：平坦區域、線條、水滴、水痕和其他印記。

Sam Gilliam,《Carousel》（細節）,1970年

一旦畫布被顏料浸透，Sam Gilliam會對其進行巧妙處理，將其折疊、壓皺、包卷，最后進行干燥處理。有時，他四處添加鋁粉，涂抹丙烯顏料，創造物質與紋理效果，與浸透顏料的平面形成鮮明對比。在第二個處理步驟中，他在畫布的幾個位置上打結，令其自然懸掛于建筑空間中，垂墜于地板、墻壁和天花板之間。在這一全新藝術形式中，熱情奔放而活力四射的色彩重新定義了Frank Gehry設計的建筑作品，張力在秩序和無序之間悄然形成。

Steven Parrino,左：《Spin-out vortex》, 2000年；中：《Skeletal Implosion》, 2001年；右：《Cyclotron》, 2002年

Steven Parrino打破繪畫與雕塑之間的邊界，顛覆畫布的平面性，放任色彩溢出畫框，流向建筑空間。本次展出的異形畫布系列始創于1981年。Steven Parrino事先確定創作過程，以便實現其作品：一旦確定畫布種類及其尺寸，他會使用統一方式在畫布表面進行繪畫，例如噴壺、漆、琺瑯漆或丙烯顏料。隨后，他會對畫布進行一系列破壞行為：拆除畫框、撕扯畫布、扭曲畫布和揉碎畫布，稍加潤飾后，再將其重新固定至畫架。以上人為干預操作將畫布的二維表面感升華為三維浮雕感和雕塑感。此外，Steven Parrino在創作過程中的肢體參與令作品充滿觀賞性。

墻上展出的畫布分別呈現四塊圓形圖案和一塊方形空洞，Steven Parrino將畫布細致上色后，將其細膩處理，以打造類似浮雕的漩渦效果。地板上展出的兩塊畫布充滿褶皺，呈現雕塑效果。Steven Parrino站在高級文化與通俗文化的交叉口，運用明麗色調，彰顯色彩的象征意義。

11號畫廊– NIELE TORONI

Niele Toroni擅長脫離畫框創作，創作場所不受室內室外限制，他根據展覽場地調整作品效果，重新定義創作空間。自1966年以來，他始終運用5厘米寬的漆刷創作單色印記，并以30厘米為固定間隔涂抹在特定表面。盡管這一繪畫作品由相同的重復手勢揮灑而成，但每一塊印記不盡相同，這取決于涂料多少、手勢輕重、畫布類型、畫布形式以及所選顏色。

此次展出的是 Toroni于1967至1997年間創造的一系列作品，足以彰顯其作品的多樣性。他在職業生涯早期使用蠟質畫布進行創作，可根據墻面大小隨心擴展印記范圍，也可根據展覽要求進行相應裁切，展區大小決定了作品的可見范圍。

Niele Toroni, Flambo家居裝飾品牌作品, 1981年

Toroni亦為Flambo家居裝飾品牌設計作品，他在作品活動板上留下不同顏色的印記。另一部作品《Homage to the swallows》以某種角度懸掛于高處，宛如鳥窩形狀。波爾多紅調圓盤圖案的創作靈感源自 Toroni在酒桶上留下的印記。四幅作品構成一個整體，并呈現不同顏色印記：紅色、黃色、藍色和黑色。繽紛色彩為這一畫布系列平添律動。

10號畫廊– KATHARINA GROSSE

自20世紀90年代后期起，Katharina Grosse始終致力于探索繪畫的無限可能性，試圖突破畫框和畫布的限制。她運用標志性色彩噴灑技術噴槍進行創作，打造多維度繪畫作品，范圍遍布地板、墻壁、天花板、某個物體甚至整座景觀。色彩在她的作品中起主導作用，并發揮銜接作用。作品規模，甚至繪畫、建筑和雕塑的融合形式在 Katharina Grosse的作品中反復出現，在此次與 Frank Gehry設計的建筑杰作展開親密對話中，也能一探究竟。

Katharina Grosse,《Splinter》, 2022年

在作品《Splinter》中，Katharina Grosse運用三角形結構，創造出豐富多彩的動態元素，任由色彩蓄勢迸發而出。作品由二十塊三角形膠合板構成，放置于一塊自承式結構體上，占據10號畫廊的部分右墻，宛如連通地板和天花板的視覺“火花”。Katharina Grosse先將結構體移至展區，下一步便是對結構體表面及其周圍環境進行上色處理。她利用模板在中央留出孔洞，日光從天窗流瀉進來，仿佛把作品“點燃”。正如她所說，“繪畫作品的創作和保留不受地點約束……也不與地點相關。它不斷嘗試，并又迅速提煉現實特征。”